Pour un programme intitulé ‘Horizons finlandais’, l’Orchestre de la Suisse Romande a invité la cheffe Eva Ollikainen, native de ce pays, à diriger deux concerts, un au Victoria Hall de Genève et l’autre à la Grange au lac à Evian-les-Bains. Le 20 mars dernier, on l’avait applaudie dans la cité de Calvin à la tête de l’Iceland Symphony Orchestra dont elle est la directrice artistique depuis 2019.

La première partie de son programme comporte d’abord une page de Kaija Saariaho, Mirage, pour soprano, violoncelle et orchestre, que la compositrice finlandaise avait élaborée en 2007 et dont la création avait eu lieu à Paris le 13 mars 2008 avec Karita Mattila et Anssi Karttunen en solistes et l’Orchestre de Paris dirigé par Christoph Eschenbach. L’œuvre s’inspire des chants de transe qu’exécutait, sous l’effet de champignons hallucinogènes, la chamane Maria Sabina au sein du peuple mazatèque dans le Mexique des années soixante. Chaque phrase du texte commence par « I am », deux mots qui plongent dans un état second, à l’instar d’une danse soufie. Tandis que le violoncelle de Lionel Cottet, premier soliste de l’OSR, produit un climat énigmatique en usant de glissandi sur le soutien des cordes, puis d’une série de traits à l’arraché, la voix de la soprano finlandaise Anu Komsi traduit l’exaltation par de stridents forte contrastant avec de ténus pianissimi en un timbre qui masque difficilement les cassures de registre. Mais l’intensité de l’expression soutient sa ligne de chant jusqu’à des tutti à découvert aboutissant à une conclusion abrupte.

Anu Komsi est ensuite la soliste de Luonnotar, poème symphonique pour soprano et orchestre op.70 que Jan Sibelius composa en 1910 à la demande de l’illustre cantatrice finlandaise Aino Ackté qui en assura la création au Festival de Gloucester le 10 septembre 1913. Tiré du Kalevala, le sujet évoque la création du monde par l’union de Luonnotar, la Fille de l’air, avec le vent et la mer. Eva Ollikainen irise l’introduction par de frémissantes cordes en pianissimo imitant les vagues qui amènent un chant aux contours archaïsants brisé par les sauts d’octaves, ce qui rend prenante la narration. Déferle une tempête, annoncée par roulement de timbales et glissandi, provoquant le désarroi de Luonnotar qui passe de fortissimi cinglants à de brusques pianissimi en écho, dont la justesse d’intonation est quelque peu approximative, pour exprimer ses râles angoissés. Mais le dénouement montrera la délivrance du grand œuvre accompli qui imprègne de sérénité les dernières mesures.

Aux multiples facettes de son génie précoce, Felix Mendelssohn ajoutait sa curiosité de voyageur insatiable et un vrai talent d’écrivain-voyageur dont les impressions sont précieusement consignées dans son recueil de Lettres européennes republiées récemment (Le Passeur, éditeur, 2022) par le musicologue Nicolas Dufetel, par ailleurs en charge de la culture et du patrimoine de la Ville d’Angers et vice-président du syndicat mixte de l’ONPL qui accueillait justement Mendelssohn pour son dernier concert.

Ancien assistant de l’Orchestre National de France aux côtés d’Emmanuel Krivine, le chef allemand Jesko Sirvend était l’invité de l’Orchestre National des Pays de la Loire, à Nantes et à Angers, dans un programme classico-romantique réunissant Mozart et Mendelssohn. Le concert a commencé par une interprétation assez placide et de bonne facture de la sémillante Ouverture de L’Enlèvement au Sérail servant de hors-d'œuvre à la merveilleuse Symphonie Concertante pour violon et alto dans l’andantino grazioso de laquelle Mozart insuffle une poignante mélancolie.

Nouvelle violon super soliste de l’ONPL depuis cette nouvelle saison qui commence, la violoniste Jueun Jeong et l’alto solo David Gaillard se sont immédiatement imposés dans un dialogue complice et raffiné, secondé par un ONPL très attentif. Cette conception intimiste a porté le chef-d’œuvre de Mozart sur les cimes du bon goût dans une expression à la fois simple et intense.

La seconde partie du concert était consacrée à la Symphonie N° 3, la fameuse Écossaise, d’un Mendelssohn encore tout imprégné de ses rêves après sa visite du palais en ruines de la reine Marie Stuart qu’il visite en 1829 lors de son « Grand Tour » de l’Europe inspirateur de plusieurs œuvres marquantes. Le monde écossais, la mer en furie, les grottes basaltiques et sa rencontre avec Walter Scott lui suggèrent à la fois l’Ouverture de la Grotte de Fingal (ou Les Hébrides) et cette symphonie si caractéristique de son style mêlant classicisme et romantisme dans un élan et une énergie irrésistibles.

Tandis que l'été indien continue, en cet automne 2026, de prodiguer ses feux ardents sur nos contrées septentrionales, l'Orchestre National de Lille avait inscrit Le Sacre du printemps d'Igor Stravinsky à son programme d'ouverture de saison 2026-2027. De quoi chambouler un peu plus, deux soirs de suite, les corps et les esprits des mélomanes déjà bien secoués par les variations abruptes du changement climatique.

Il convient de rappeler que, le 29 mai 1913, à Paris, au Théâtre des Champs-Élysées, la création de ce ballet révolutionnaire — né des imaginaires du compositeur Igor Stravinsky, du fondateur des Ballets russes Serge de Diaghilev et du danseur étoile Vaslav Nijinski — provoqua l'un des plus retentissants scandales de l'histoire de la musique. Une œuvre de rupture, hors norme, dont les effets sont toujours aussi impressionnants aujourd'hui. Joshua Weilerstein, directeur musical de l'ONL, l'évoque en ces termes dans l'un de ses podcasts Sticky Notes : « les années 1900-1914 furent une véritable poudrière pour le monde et pour la musique, et l'on pourrait dire que Le Sacre du printemps fut l'incarnation musicale de cette explosion. Son influence sur la musique actuelle reste profonde ». Explosion : le mot n'est pas trop fort. Durant trente minutes, c'est une salve étourdissante de couleurs, de pans sonores qui s'opposent ou se juxtaposent. Les pupitres de l'orchestre révèlent des ressources sonores nouvelles : les flûtes, habituellement douces, se la jouent « piquerette » avec des stridences obstinées, les cors s'y mettent à huit à grands éclats, bois, cuivres et cordes, comme étonnés de leurs habits neufs, rivalisent avec une intensité sauvage, avides d'une nouvelle liberté. Le public n'en croit pas ses oreilles, ébahi par ce feu d'artifice magistralement dirigé — sans partition — par un Joshua Weilerstein en communion totale avec son orchestre au grand complet. C'est dire aussi les qualités individuelles et d'ensemble des musiciens de cette phalange.